艺术人像摄影

时间：2017-05-15 07:45 来源：免费论文网

篇一：人像摄影的理解

人像摄影的理解

镜头，不仅可以记录世界，使瞬息万变的事物静止下来；同时也可以发现世界，让世界静止下来，供我们观照赏玩——这正是摄影的魅力之所在，它存在于对镜头下的事物的本质的揭示之中。但是摄影并不是人们了解事物的一种简单工具，人们通过观看不同的瞬间，了解到不同瞬间的意义，它还改变着观看者本身，让观看的人试图弄清摄影家的真实意图。亨利·卡蒂埃－布列松已经有过断言：“不是你们照相，而是相照你们。”摄影的巨大吸引力，正在于它除了反映镜头下的世界，同时也反映摄影家本人。

把最大限度的酷肖与逼真当作艺术追求目标，是我在很长一段时间内的实践指南。在此期间，我尊重客观事实，重理性，重认知，一如卡蒂埃·布勒松所说：“照相机对于我们是一种记录我们所看到的社会现象的眼睛。对我来说，它就是我的日记??我们对于自己所报道的事物来说，不是‘发明者’，而是‘发现者’。”

但在另外一方面，作为艺术的摄影，无疑应该更能体现摄影家的想象力与创造力。在此过程中，提炼、选择和注重形式感等等，成为摄影家必须考虑的艺术元素。它主要体现在根据自己的艺术判断，重新将影像组织、排列、整合在一起，去表达自己的意义归属，而通过对作品进行筛选、整理、重组，可以在随意或有意的作品中重新“发现”其本质和意义。

摄影不仅是一种具有高度艺术价值，而且具有高度社会价值、历史价值与文化价值的艺术形式。

对于人像摄影来说，正像人的命运与人的性格千差万别一样，每张面孔都带有不同的印记。伟人与百姓的面孔，代表了不同的生活阅历与人生经验，能够在一张照片中反映出文化意识、社会意识、命运意识，不仅可以丰富人像摄影的内涵，同时也会促使人像摄影形成了特有的表现形式。能够体现出这种审美特性，在于摄影家对于人类特别是普通人生存状况、生活环境的真切观照。

人像摄影可以充分显示镜头的“发现”的魅力。因为它不是借助于社会题材的轰动，不是依靠于历史题材的辉煌，而是人的日常生活揭示人性的本质和人生的意义。这无疑最能考验摄影家对生活的观察、对人生的体味、对瞬间的把握，也即他的“发现”能力。

正像丰富多彩的画卷一样，人像摄影有着无限的生命力，因为人像摄影就是“关注人的摄影”。通过人像摄影，我们从社会的人、自然的人、历史的人、现实的人中探究和“发现”人的本性。人性是发展变化的，人像摄影是发展变化的，我们对人性探究和“发现”，也是永无止境的。

像摄影创作意识的再认识人像摄影的创作意识，就是摄影者自我对客观人物生活形象，进行摄影造型成为艺术形象的物化过程中各种认识的反映。摄影者的创作意识是创作过程中的一种精神活动。其创作观念要更新，要随着社会的发展而发展。并不断增新思维，巩固原有思维之运用，同时深化思维和活化思维，使创作思维增加新的活力。且要出新审美认识，及确认人像摄影的美学价值。·关键词：人像摄影创作意识审美认识人是社会的主体，它是社会物质文明和精神文明的创造者，没有人的活动就没有社会的一切。因此，人像摄影在摄影创作中占据着主导地位，也是摄影实践的一大门类。1839年，摄影术正式问世。19世纪40年代，人像摄影开始形成，在起步上，它晚于建筑和风光类的摄影门类。当时人像摄影使用最广泛的是达盖尔式的摄影法，卡罗法（碘化银纸法）由于成像质量低而未能获得普及。那个时期拍摄的人像，神态比较刻板。到了50年代后，随着社会、科技和摄影术、摄影器械的发展人像摄影也迅速得到普及。20世纪20年代后，人像摄影与社会更加贴近，各个时期人们对人像摄影的探讨都未停息过。当前，在探讨人像摄影技艺的继承与创新问题的争鸣中，逐步趋向纵深发展，议题也越来越多，综合国内外人像摄影的讨论方向，其中关于人像摄影的创作意识，我觉得是重要的议题之一。摄影者进行摄影创作，不论作品表现得一般或优秀，总是受制于摄影者自我的创作意识。所谓意识，是人们对客观物质世界有了理性认识的反映。它受摄影者的艺术修养、审美能力、生活经历、思维想象能力、摄影的艺术风格等等诸多因素的制约。而人像摄影的创作意识，就是摄影者自我对客观人物生活形象，进行摄影造型成为艺术形象的物化过程中各种认识的反映。虽然，根据唯物论“物质先于意识”的论述，人像摄影创作并不能改变人物形象的原貌。但是，“意识对物质有反作用”，却能左右创作过程和物化手段，决定人像摄影画面形象的艺术表现。也就是从平凡的人物中看到其不平凡的一面。将人物的形象通过艺术进行加工要原于人物本身，高于人物本身。摄影者的创作意识是创作实践的产物，是创作过程中的一种精神活动。它是十分复杂的，因为它决定了摄影者的创作态度。它在整个创作中起着主导作用，因为他自始至终指导着造型方法的选择与采用。既然它是社会实践的产物，就必然要随着社会的发展而发展，时代的前进而前进。我们正处于改革、开放的社会实践中，日新月异的社会发展促进了人们物质生活和精神生活等各方面的变革，这就要求反映生活、反映时代的人像摄影创作意识随着有所变革。其中，更新创作观念，增新创作思维和出新审美认识是目前亟待深入探讨的重要课题。一、更新创作观念什么是创作观念？观念是对事物的看法和想法，它是对客观事物有了理性认识而形成的。我们在社会实践中的理性认识，都是从感性认识开始的，感性认识的素材积累多了，就会升华为理性认识，并逐步地在头脑里产生自己的观念。在人像摄影创作中，摄影者从观察人的行神和人的生活开始，直至考虑如何赋予作品以内涵和如何表现人物形象等等的全过程中，始终反映了自己对生活、对社会、对时代的主观评价。换句话说就是由自己的观念指使着摄影者组织什么样的形态和神态来塑造形象，选择什么样的生活素材来表达作品内涵的意义，这个观念就是创作观念。所以创作观念主宰着摄影者的整个创作活动，摄影作品的内容和艺术形象的造型，都是创作观念的物化结果，体现了摄影者对人物的感情和对生活的爱憎，以及对人物所处的社会和时代的表态。在人像摄影创作中，根据社会发展规律的观念进行创作的是正确的创作观念，它对创作实践起到促进作

用，因为它使摄影者经由正确的创作途径而加强和提高了作品的思想性和艺术性。相反而言，凡是不根据社会发展规律或不符合客观人物、事物本质的观念进行创作的，则是错误的创作观念，它必然导致摄影者不能拍出成功的照片。观念的正确与否，主要在于是否符合社会发展规律，如果观念不跟着社会发展而发展，正确的观念就要成为陈旧的观念，不变的旧观念就要转化为错误的观念。对人像摄影创作观念来说，由于物化结果是可视性的画面形象，这种转化更是十分明显的。因此，际此社会变革迅猛，时代面貌日新的今日，创作观念的更新确属势在必行。否则的话，阻碍人像摄影发展，危及人像摄影事业，当非“危言耸听”之辞吧。由此而说，首先，要清除不正确的创作观念。人像摄影者宜回顾一下自己的创作历程，把旧作重新进行一番审察、反思和判断，作一次对当时的创作观念的再认识。其次，创作观念决定了采用的创作方法。当前，艺术创作正向多元化的创作方法发展，人像摄影创作也不例外地需要突破封闭的、单一的、旧的创作方法，采用开放的，多元的、新的创作方法。人像摄影者既要走自己的路，强调创作的民族化，也要学习和借鉴各方面有益的经验，丰富、充实和提高自己的创作方法，追求作品的现代化表现，更好地，全面地发展人像摄影艺术，冲破国界，走向世界。第三，正确的创作观念应深刻时代生活和大众需求的反映。随着我国改革、开放、搞活的政策深入实施，人们的生活方式，生活节奏起了变化，对精神产品的感情、爱好和需求也有了改变。这些变化就是社会发展规律的反映，也是创作观念更新的主要对应内容。总之，更新创作观念，要点在于清楚错误观念，丢弃陈旧观念，树立紧跟时代的观念。那么，人像摄影者就有可能发挥自己的创作个性，突破形式格调的单一，克服表现概念化、雷同化，排除题材狭窄、内容肤浅等现象，提高人像摄影作品的艺术深度、广度和力度，满足群众不同层次、不同角度、不同喜爱的多样化需求。二、更新创作思维人类依靠思维活动来认识客观世界，创作人像摄影，也要运用思维来指导造型实践，以提高作品的思想性和艺术性，人像摄影创作过程大致分为观察生活、立意构思和造型表现三个环节，每个环节都存在需要认识、分析、理解、判断等的思维活动，因此整个人像摄影创作过程，就是人像创作思维不断活动的过程。由于人像摄影是一项科技性和形象性相结合的创作活动，它的创作思维应由形象思维和逻辑思维交织运用来完成。近年来，摄影科技方面迅猛发展，摄影艺术方面日益提高，原有的思维内容如不加以更新，已不能适应新的形势，影响所及，将阻碍人像摄影艺术的创新和发展。增新思维，应在巩固原有思维之运用的前提下，进行深化思维和活化思维的活动，使创作思维增加新的活力。 [1] [2] [3] 下一页创作思维，简略来说就是以形象思维为基础，逻辑思维为主导，两种方式交织配合运用，在整个创作过程中起到，自觉地按对象特征适应的艺术规律，进行各种创作活动的作用。所谓逻辑思维，就是运用推理、分析、综合、判断等思维方式，得出理性的概念性结论，以利于摄影者通过比较、选择、提炼、决定作品的题材和主题；对对象特征作好观察、理解，选出最优化的造型手段；综合镜头、感光片的性能和光线、色彩的情况，确定光圈、速度等的选用等等。至于形象思维，则是自始至终不离开具体的、生动的人物形象的思维。它的活动是加深对生活中人物形象的认识，从感性观察提高到艺术理解，从外貌形态觉察内心世界，从外在表象辨出内在本质，促使造型的以形传神和提高作品的内涵意义。它的过程是从对人物形象有感性印象开始，经过艺术理解后在胸中转化成为理想性意象，摄影者或加工者

就可循着意象的“轨迹”，最终进行具体造型而把意象物化为画面艺术形象。所以，在创作过程中同时进行两种思维活动，显见十分必要和重要，这就是必须重视和巩固创作思维运用的缘故。现代化的摄影机械和冲洗设备，已进入电子化、自动化、数字化的时代，感光材料已从传统胶片感光（黑白、彩色），向电子感光材料（CCD、CMOSE等）过渡，照明工具也从钨丝灯到影室闪光灯进而转向数码室内外闪光灯，这些都是近年来出现在人像摄影创作中的变化。这些变化不仅要求摄影者迅速了解和掌握这些新器材的结构和性能，也要求摄影者在思维过程中，加深思维的缜密性、科学性和综合性。只有进行缜密的分析、科学的推理、综合的判断等深化的逻辑思维，才能作出正确的结论来指导创作中的具体实践，这是深化逻辑思维以利创作的一个方面。回顾我国人像摄影发展的历程，由早期的追求照片的清晰度和明亮度，到二十世纪二十至四十年代的追求唯美和形式，直至解放以后逐步确立“以形传神、形神兼备”的创作方法，而今电子计算机技术介入摄影，从根本上改变了摄影技术的成像原理也带来了新的摄影形式和创作思维。可以看到既是摄影器材的改进和发展的历程，也是创作思维的演变和发展的历程。人们往往习惯于进行单一单向的思维活动，把“守传统”、“随大流”的按部就班式的拍摄方法视为“正规”，束缚了广大摄影者创作个性的形成，从而使大量作品都是“似曾相识”。利用电子计算机技术制作完成的摄影作品《闪电捕捉者》（图1）是美国摄影师布兰·阿伦的作品，作者先拍摄了92岁的布朗森老人抱着罐子的镜头，然后调用电脑中各种素材，经过25个图层的处理，才制成了这样一幅带有超现实意味的新颖画面。作者的主观思维能转化为画面表达的内容，是作者形象思维中注进自我的感情、想象、新意等多维多向化成果。又如（图2）、（图3）。另外，从作者深层思维结出的硕果中，又使我们体会到形式于内容新的辨证关系。由于作者以主体意识运用形式，使添加素材这一形式，不仅丰富了画面的审美意味，而且正是从这一特定形式出发，使人产生一系列的联想，才使作品能够富有内涵，推陈出新。突破了人像摄影固有的思维方式，说明了溶入主体意识的形式，实现了作者自己的内在逻辑。上述发挥主体意识和辨证地对待形式与内容，都是增新思维要从深化形象思维着眼的又一个方面。创作思维长期地禁锢在一个定向的圈子里，导致思维活动的范围常局限与姿势表情，光型光比，色调等基础素质方面。当然，人像摄影艺术要有优良的基础素质，但是基础素质不等于艺术价值，所以要开拓思维、活化思维，让思维折射出社会生活、时代特征，人的感情、性格、本质等的投影，还要让思维对应群众的鉴赏心理，审美要求和理性思辨等的满足，才能塑造符合时代需要的，富有生活活力的，能够揭示人情、人性和内在活动的熠熠发光的艺术形象，作品也就蕴含理性的深意。活化思维，首先要对应人像摄影鉴赏的理性满足，从形象和形式单一性视觉价值的思维，向理性蕴蓄多义性思辨价值的思维转化，通过形象形神或艺术形式寄寓摄影者的理性追求。兰金（Rankin 英国）的人像作品《麦克尔·斯蒂普》（图4）通过坦诚的画面展现真实的面貌，这也就是他拍摄的许多图象成为时代标志的原因。这幅肖像作品成功之处就在于高度浓缩了被摄对象最为精华、最能体现人物个性的东西。其次要对应人像摄影鉴赏对画面形象形神的生活感，让观赏者面对形象有如见其人的直观感觉。生活是无限丰富的，人像摄影造型应是变化无尽的、重要的是姿势表情要有生活感，（“摆”而不露“摆”的痕迹）陪衬背景要合生活逻辑，光、色、调子要有生活气息。《馋涎欲滴》（图5）这张胖娃娃的肖像，

由于孩子下唇上那一滴口水而变得妙趣横生。从眼睛里反射的光斑来看，摄影家似乎只用了一盏方形的柔光灯。第三要对应人像摄影鉴赏对形象情感体验的复杂性。人们需要各种各样情感上的共鸣满足，艺术形象要有多样性的人情、人性的魅力来传播通感。人们既欢迎欢乐、愉悦，也赏识沉思、缅怀，更不排斥迷惘、警惕或者愁思、忧伤??。人的内在世界事实上像一泓不平静的湖水，始终泛出涟漪、波澜甚至浪花似的感情，人们欣赏人像作品，也就爱1234 5看各式各样的人之常情，正如欣赏戏剧，既要喜剧，也要悲剧。作品《杰克·尼科尔森》（赫伯·里茨摄图6）、《灾难深重的印度妇女》（玛格丽特·伯克怀特摄图7）、《母性》（迪密特·巴拉摄图8）等作品，所以令人寻味，受人赞赏，正是多样性的真情实感，满足了人们复杂性的情感体验的缘故。最后还要对应人像摄影鉴赏对画面形式的独特性和多变性。对67 8人像摄影进行艺术鉴赏，总是先接触到形式，随后注意到形象形神，再后体会到作品内涵。人像摄影画面形式的载体，有人物的容貌、服装、饰品等，有陪衬的道具、座椅、装潢品等，还有占了很大空间的背景、地面等；形式的结构，有形结构的点、线、面等，光结构的光、影、色等；载体的多种性决定了形式的多变性，也只有依靠思维的灵活性方可完成表现多变性的要求。形式的独特性要求在进行如何造型的思维活动时，改变传统的停留在光效和陪衬的单向效果上，要从形式的表现转向形式的创造，努力于追求别人尚未表现过的形式，致力于影像思维活动的活化探索，尽力于自己的个性、创造性和想象力的发挥。那么才有可能创造出不落俗套、不蹈袭、既不重复别人，也不重复自己的独特性形式。利用新颖的画面形式，会使人感到有的加深了作品意境，有的强化了人物感情，有的增添了审美价值，有的提高了画面格调，有的提供了作品内涵。从生活出发，从实际出发，因人而异，因情而变地进行灵活思维，才能独具慧眼、独辟蹊径的取得耳目一新的造型效果。三、出新审美认识上一页 [1] [2] [3] 下一页从美学角度来考察人像摄影创作，它是以人为唯一对象，塑造“形神俱美”的形象为主体的一种艺术美的创造。所以人像摄影作品是否具有审美属性，是区分记录照片还是摄影艺术这一不同性质的根本区别，就是说没有审美价值的人像摄影，也就失去了人像摄影重要的艺术特征。由于多年来习惯性的审美定势，受到越来越多的时代审美的冲击，出新审美认识显见是具有现实意义的课题。这一课题要从两个方面来进行探索。其一是摄影者的审美，其二是欣赏者的审美，两者结合研究，才能确认人像摄影的美学价值。人像摄影者在进行一系列创作活动的同时，不仅自始至终地进行思维活动，也自始至终地进行着审美活动。审美活动是以摄影者为主体，被摄人物为客体，主题领会、认识和理解客体存在的美为活动中心和任务。我认为审美主体必须进行两种审美思维活动，第一种属于审美意识，它包括树立新的审美观念，运用全方位的时代审美心态（审美感情、审美思辨、审美趣味、审美想象，审美眼力、审美判断等多项综合），提炼高层次的审美理想等；第二种属于审美行为，它包括发现美、表现美和创造美。审美意识主宰着审美行为，没有审美意识的活动就引导不出发现美等审美行为的思维活动，罗丹所说的“美是到处都有的，对于我们的眼睛，不是缺少美，而是缺少发现。”其理恐怕也是在此。审美行为实践着审美意识，不但表现美，而且要创造美，即超越客观存在的美，因此它对审美意识给予一定的反向影响，充实、提高和发展审美思辨、审美理想等。有此而论，两者的关系是不可分割的，它们相互统一组成了有效的审美主体的整体审美活动。在审美意识

篇二：8个实用技巧让人像摄影成为艺术(看完)

8个实用技巧让人像摄影成为艺术

和音乐一样，视觉艺术依赖于（形状、颜色、曝光的）和谐、（纹理的）韵律，以及安排元素（布景和模特）来讲述故事。当你能够协调所有这些事情并让他们和谐工作的时候，奇迹就快要发生了。

1、用光

用光是摄影的头等大事。

停一下。回过头去反复读上面那句话，直到把它深深印在脑子里。毕竟，摄影艺术的本质就是通过捕捉某个场景的光线来创造一种艺术的演绎。从本质上讲，摄影就是用光绘画。

在摄影术和闪光灯发明之前很久，古典画家们就知道把绘画主体安排在大窗子附近。大窗子就像巨大的柔光箱，创造合适的光线，让画家捕捉到他们想要的情绪。

没有好的光线就根本不要去按快门，否则你的照片和那些菜鸟拿着傻瓜机瞎拍出来的不会有什么两样 2、主题

你必须得有光才能拍照，所以光列在第一条，它绝对是摄影的基石。但主题也是同样重要的。一个好的主题比一个好看的模特要有用。场景，衣着，支撑物，饰品，姿势以及情绪表达，他们结合起来讲述一个故事。而摄影师得保证这是一个值得讲述的故事。

3、对焦

对焦不仅仅是考虑对在那里，还要考虑这幅人像要用多大的景深来表现。你想要多大程度上虚化背景/前景？主体有多少部分需要合焦？通过适当的镜头搭配，你在这方面可以有相当大的灵活度，而这能对你作品的效果产生巨大影响。

此外，不要忽视转换焦点的可能性。一般而言合焦在眼睛上是好的，但我也常常合焦在嘴唇，有时为了创造一种戏剧化的张力，我会使拍摄主体脱焦而将焦点对在其他地方，比如说手，或者模特拿着的某件物品。在我最喜欢的一张作品中，我把焦点对在棋盘上，用非常浅的景深，并把主体的脸照得非常亮以至于高光处严重过曝。

4、背景

背景的一般原则是保持简单。拍好环境人像不难（我就拍了很多），但很容易被背景转移了整张照片的关注点。对于初学者来说需要注意避免的一点是“融合”就是说在照片里背景和前景在看上去有种要融合在一起的趋势。比如要小心别让背景里的树看上去像是从主体的脑袋

上长出来的。 5、构图

业余作品和专业作品的一个关键差别就是构图。一个伟大的人像摄影师考虑形状、构图、框

架、角度、负空间、以及把焦点设置在哪里可以获得最大的视觉冲击等等。

6、色彩

你若是为了色彩而拍片，那就应该确保色彩之间互相协调。如果颜色不协调，可以换衣服、场景等等......直到协调为止。画家不会随机抓个颜色就画，为什么摄影师就得在颜色方面任

凭摆布呢？

7、曝光

曝光不仅仅是获得适当的曝光来记录场景那么简单。比方说在亮暗对比特别强烈的场景中你就得作选择。你可以为暗部获得适当的曝光，或者为亮部获得适当的曝光，但通常你无法两者兼得。这可以是件好事，因为你可以选择高调拍摄或者低调拍摄，用曝光来强调一些部分并弱化其他部分。 8、纹理

照片是二维的，因此很难表现出好的纹理感。最好的方法是使用强烈的形状、构图以及光线角度来衬托场景中的纹理。

篇三：人像摄影理论

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1、头部和身体忌成一条直线。两者若成一条直线，难免会有呆板之感。因此，当身体正面朝向镜头时，头部应该稍微向左或是向右转一些，照片就会显得优雅而生动；同样道理，当被摄者的眼睛正对镜头时，让身体转成一定的角度，会使画面显得生气和动势，并能增加立体感。

2、双臂和双腿忌平行。无论被摄者是持坐姿或是站姿，千万不要让双臂或双腿呈平行状，因为这样会让人有僵硬、机械之感。妥当的做法可以是一曲一直或两者构成一定的角度。这样，就能既造成动感，姿势又富于变化。

3、尽量让体型曲线分明。对于女性被摄者来说，表现其富于魅力的曲线是很有必要的。通常的做法是让人物的一条腿实际上支撑全身的重量，另外一条腿稍微抬高些并靠着站立的的那条腿，臂部要转过来，以显示其最窄的一面，胸部则通过腰部的曲线，尽量显示其高耸和丰硕感。同时，人物的一只手可以摆在臀部，以便给画面提供必要的宽度。

4、坐姿忌陷。表现被摄者坐姿时，不要让其象平常一样将整个身体坐进椅子。如果这样，她的大腿就会呈现休息的状态，以至于腿上端多脂肪的部分隆起，使腿部显得粗苯。正确的做法是让其身体向前移，靠近椅边坐着，并保持挺胸收腹，这样可以避免肩垂肚凸的现象。

5、镜头宜远不宜近。一般来说，拍人像照，距离远些总比近些好。因为当镜头（尤其是短焦距的镜头）离被摄者很近时，会出现畸变现象。因此，摄影时应选择合适焦距的镜头，并让镜头和被摄者保持一定的距离。根据实践我们知道，若是使用标准镜头拍摄人物头像，最佳距离应在6---8英尺（1.8~2.4米）之间；拍胸像则应在8---9(2.4~2.7米)英尺之间；拍全身像，以13---22英尺(3.9~6.6米)之间为宜。

6、表现好手姿。被摄者的手在画面中的比例不大，但若摆放不当，将会破坏画面的整体美。拍摄时要注意手部的完整，不要使其产生变形、折断、残缺的感觉。如手叉腰或放到口袋里时，要露处部分手指，以免给人以截断的印象。

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